Il logo di un’azienda è spesso la prima cosa che i clienti notano quando si relazionano con l’azienda stessa. Ecco perché è importante che sia efficace, distintivo e immediatamente riconoscibile.

Il falso mito

Vi siete mai chiesti: <<cosa deve rappresentare un logo?>> Molti pensano che il logo debba rappresentare il settore di appartenenza dell’azienda, ma in realtà questo è un errore comune che spesso porta a risultati anonimi e poco distintivi.

Un logo efficace deve comunicare un’idea in modo chiaro e immediato. Quelli vincenti sono spesso semplici, icone memorabili che rappresentano una visione e un concetto specifico.

Uno su tutti

Prendiamo ad esempio il logo della Nike: una semplice virgola che non rappresenta né scarpe, né abbigliamento sportivo, ma che comunica un concetto di velocità, di movimento e di energia.

Inoltre, un logo troppo specifico rischia di diventare datato nel tempo, poiché le tendenze e i gusti cambiano: ciò potrebbe anche limitare la capacità dell’azienda di espandersi in nuovi settori o di adattarsi a nuove opportunità di business.

Un logo più generico e distintivo, al contrario, può essere utilizzato in modo più flessibile e adattarsi a nuove sfide e nuove opportunità.

Gli esempi dei loghi più famosi

Ci sono molti esempi di loghi famosi che sono stati creati senza tenere conto del settore di appartenenza dell’azienda, ma piuttosto con l’idea di comunicare un concetto in modo chiaro e diretto. Ecco alcuni esempi:

1. Apple: il logo della mela morsicata, simbolo del peccato, non rappresenta in modo esplicito il settore dell’informatica, ma comunica un’idea di creatività, innovazione e semplicità.
2. Coca-Cola: il logo della bevanda più famosa al mondo non rappresenta una bottiglia di Coca-Cola o un bicchiere, ma comunica un’idea di felicità, positività e buonumore.
3. FedEx: il logo della nota compagnia di spedizioni non rappresenta in modo esplicito il settore delle consegne, ma comunica un’idea di velocità e affidabilità, grazie alla freccia nascosta tra la “E” e la “X”.
4. McDonald’s: il logo della catena di fast food non rappresenta un hamburger o una patatina, ma comunica un’idea di velocità e di cibo a portata di mano, grazie alle forme arrotondate e all’uso del rosso e del giallo.
5. Nike: come già detto in precedenza, il logo della nota azienda di abbigliamento e attrezzatura sportiva non rappresenta alcun prodotto, ma comunica un’idea di velocità, movimento e energia grazie alla semplice virgola.
6. Amazon: il logo dell’e-commerce più utilizzato al mondo non rappresenta un pacco o un prodotto specifico, ma comunica un’idea di varietà e scelta grazie alla freccia che va dalla “A” alla “Z”.
7. Twitter: il logo del social network non rappresenta un uccello o un messaggio, ma comunica un’idea di comunicazione, di scambio di idee e di pensiero grazie all’uso del simbolo del “tweet” o del cinguettio.
8. Adidas: il logo dell’azienda di abbigliamento e attrezzatura sportiva non rappresenta un prodotto specifico, ma comunica un’idea di velocità, di movimento e di sfida grazie alle tre strisce oblique.
9. BMW: il logo della celebre casa automobilistica tedesca non rappresenta un’auto o un motore, ma comunica un’idea di velocità, di tecnologia e di eleganza grazie al cerchio diviso in quattro parti, rappresentanti l’origine della società come produttrice di motori per aeroplani.
10. Mastercard: il logo della compagnia di carte di credito non rappresenta una carta o un bancomat, ma comunica un’idea di universalità e di connessione grazie al cerchio rosso e al simbolo della V che si sovrappongono.
11. Starbucks: il logo della catena di caffè non rappresenta una tazza o un chicco di caffè, ma comunica un’idea di calore e di connessione con il mondo grazie all’immagine di una sirena.
12. Pepsi: il logo della bevanda non rappresenta una lattina o una bottiglia, ma comunica un’idea di freschezza e di energia grazie all’uso di una forma ondulata e del colore blu.
13. Chanel: il logo della casa di moda francese non rappresenta un abito o un accessorio, ma comunica un’idea di eleganza e di semplicità grazie al font in grassetto e al simbolo del doppio “C”.
14. Volkswagen: il logo della casa automobilistica tedesca non rappresenta un’auto o un motore, ma comunica un’idea di solidità e di affidabilità grazie al cerchio diviso in due parti, rappresentanti il simbolo della tecnologia e della produzione.
15. Google: il logo del motore di ricerca non rappresenta un libro o un’enciclopedia, ma comunica un’idea di apertura e di accessibilità grazie alle forme arrotondate e ai colori vivaci.

Questi sono solo alcuni esempi di loghi famosi che hanno scelto di non rappresentare il settore di appartenenza dell’azienda, ma di comunicare un concetto o un’idea in modo chiaro e immediato.

E il tuo logo rispecchia (banalmente) il settore oppure no? Contattaci se, leggendo l’articolo, vorresti posizionarti come i grandi brand, attraverso un restyling grafico del tuo logo. La mail è info@bradfarm.it oppure clicca qui

L'articolo Un logo efficace NON deve rappresentare il settore aziendale oppure cosa fai proviene da BradFarm.

1. Paul Rand è considerato uno dei padri del design grafico moderno. Il suo lavoro ha contribuito a definire l’estetica del design negli anni ’50 e ’60 e ha avuto un impatto duraturo sulla cultura visiva contemporanea. Rand è noto per aver creato loghi iconici come quello della IBM, ABC e UPS, e per aver sviluppato un approccio innovativo alla tipografia.

2. Saul Bass è stato un designer grafico americano noto soprattutto per il suo lavoro nel cinema, dove ha creato molti titoli di testa e poster memorabili per film come “Vertigo” e “Psycho”. Il suo stile unico di design ha influenzato il settore del cinema e la cultura popolare in generale. Il suo lavoro ha anche influenzato il design di loghi, affiches e altri materiali di comunicazione visiva.

3. Milton Glaser è un altro grande nome del design grafico, noto per il suo lavoro come co-fondatore della rivista “New York” e per la creazione del celebre logo “I NY”. Glaser ha anche creato molti poster, libri e campagne pubblicitarie memorabili, e il suo lavoro continua ad ispirare designer di tutto il mondo.

5. Massimo Vignelli è stato un designer grafico italiano, noto per la sua visione minimalista del design e per la sua abilità nell’uso del colore e della tipografia. Il suo lavoro è stato particolarmente influente nell’industria della grafica, dove ha creato marchi iconici come quello della American Airlines e della Bloomingdale’s.
6. David Carson  è stato uno dei designer grafici più influenti degli anni ’90, noto per il suo stile postmoderno e il suo approccio sperimentale alla tipografia. Il suo lavoro è stato particolarmente importante nella rivoluzione del design grafico del periodo, dove ha contribuito a ridefinire le regole tradizionali del design.
7. Herb Lubalin è stato un designer americano noto per il suo lavoro innovativo nella tipografia e nella grafica pubblicitaria. Lubalin ha creato il marchio Avant Garde, noto per il suo uso creativo della tipografia. Ha inoltre lavorato per marchi come Volkswagen e The New York Times.
8. Neville Brody è un designer britannico noto per il suo lavoro rivoluzionario nel design tipografico e del libro. Brody è stato uno dei primi a utilizzare l’elaborazione al computer nella progettazione grafica e ha contribuito alla definizione dello stile del design degli anni ’80.
9. Alex Steinweiss è stato un designer americano noto per il suo lavoro innovativo nella progettazione delle copertine degli album. Steinweiss è stato il primo a introdurre l’uso di immagini e grafica nelle copertine degli album e il suo lavoro ha influenzato la cultura popolare negli anni ’40 e ’50.
10. Stefan Sagmeister è un designer austriaco noto per il suo lavoro innovativo nel design grafico, della tipografia e del packaging. Il suo stile unico e sperimentale ha influenzato il design contemporaneo e ha creato marchi per clienti come The Rolling Stones e HBO.
11. Jessica Walsh è una designer americana nota per il suo lavoro nel design grafico e dell’identità visiva. Ha creato il suo studio di design a soli 25 anni e ha lavorato per clienti come Adobe, The New York Times e Sagmeister & Walsh. Il suo stile creativo e audace ha ispirato molti designer di oggi.

Questi designer hanno contribuito in modo significativo alla definizione dell’estetica del design grafico moderno e alla creazione di opere innovative e memorabili. Il loro lavoro continua ad ispirare e guidare i designer di tutto il mondo, e la loro eredità continuerà a essere un punto di riferimento nel mondo del design grafico.

Qualche libro interessante

Per tutti coloro che desiderano approfondire la storia del graphic design e i principali designer, ecco una selezione di libri che ti consiglio sull’argomento:

1. “A History of Graphic Design” di Philip B. Meggs: questo libro è considerato una delle fonti più complete sulla storia del graphic design, dalla preistoria fino ai giorni nostri. Offre un’ampia panoramica dei principali movimenti e designer, con centinaia di illustrazioni a colori.
2. “Graphic Design: A New History” di Stephen J. Eskilson: questo libro presenta una storia del graphic design più recente, dal 1950 ad oggi. Copre i principali movimenti, le innovazioni tecnologiche e i designer più influenti di questo periodo.
3. “Designing Design” di Kenya Hara: questo libro del designer giapponese Kenya Hara offre un’interessante riflessione sull’essenza del design e sulla sua relazione con la cultura. Offre anche un’analisi dei principali designer giapponesi e delle loro opere.
4. “Paul Rand: A Designer’s Art” di Paul Rand: questo libro è una raccolta dei lavori del famoso designer americano Paul Rand, con una prefazione dello stesso Rand. Offre un’ampia panoramica del lavoro di Rand, dalle sue prime opere fino ai suoi lavori più noti.
5. “Helvetica: Homage to a Typeface” di Lars Müller: questo libro è un’ode alla celebre tipografia Helvetica, una delle più utilizzate nella storia del graphic design. Offre un’analisi della sua storia, della sua evoluzione e del suo impatto sulla cultura visiva contemporanea.

L'articolo Storia e innovazione nel graphic design: i nomi che hanno segnato un’epoca proviene da BradFarm.

Gli elementi della composizione

Uno degli elementi più caratteristici del graphic design degli anni ’50 era la tipografia. L’uso di caratteri sans-serif, come Helvetica e Univers, divenne comune per la loro leggibilità e pulizia. La tipografia fu utilizzata in modo creativo e sperimentale, spesso combinando diverse dimensioni e colori per creare gerarchie visive.

Il colore era un altro elemento importante del graphic design degli anni ’50. Le palette di colori erano spesso limitate e i colori erano utilizzati in modo strategico per evidenziare informazioni importanti o creare un impatto visivo.

Anche l’immagine fotografica era un elemento comune nel graphic design degli anni ’50. Le fotografie erano spesso usate in modo esplicito, con poco o nessun testo, per trasmettere un messaggio. I graphic designer degli anni ’50 cercavano di creare immagini potenti e suggestive attraverso l’uso di contrasti di tonalità e saturazione, chiaroscuri, tagli precisi, sovrapposizioni e ritocchi.

I principali designer

Vediamo alcuni graphic designer degli anni ’50 e il loro contributo al design:

1. 1. Paul Rand: Considerato uno dei padri del design moderno, Paul Rand ha creato alcuni dei loghi più iconici dell’epoca, come quello della IBM e della ABC. La sua filosofia di design era basata sulla semplicità e sulla chiarezza, utilizzando forme geometriche e una tipografia audace.
   2. Saul Bass: Saul Bass era noto per il suo lavoro nei titoli di testa dei film, tra cui quelli di “Vertigo” di Alfred Hitchcock e “The Man with the Golden Arm” di Otto Preminger. Ha anche creato numerosi loghi, tra cui quelli della United Airlines e della AT&T.
   3. Herbert Matter:  è stato un importante designer svizzero, noto per il suo lavoro in campo fotografico e grafico. Ha creato il logo della Knoll Furniture e ha lavorato per diverse riviste di design e arte.
   4. Alexey Brodovitch: è stato un designer russo-americano noto per il suo lavoro come art director della rivista Harper’s Bazaar. Ha introdotto un nuovo stile di design nella moda e nella fotografia di moda, utilizzando composizioni geometriche e fotografie in bianco e nero.
   5. Alvin Lustig: un designer versatile, che ha lavorato in vari campi come l’editoria, il packaging e la pubblicità. Ha creato il design di copertina per molti libri di architettura e design, nonché il marchio della 20th Century Fox.
   6. Max Huber: è stato uno dei principali designer grafici italiani degli anni ’50, noto per il suo stile innovativo e sperimentale. Ha lavorato per clienti come la Olivetti, la La Rinascente e la Pirelli, creando una vasta gamma di progetti, tra cui manifesti, pubblicità, loghi e design di prodotti.
   7. Franco Grignani: un designer e artista italiano noto per il suo lavoro sulla percezione visiva e l’illusione ottica. Ha lavorato principalmente nell’editoria e nella pubblicità, creando progetti per clienti come la Olivetti, la RAI e la FIAT.
   8. Bruno Munari: designer, artista e sperimentatore italiano che ha lavorato in molti campi, tra cui la grafica, l’editoria, il design di prodotti e l’arte cinetica. Ha creato alcuni dei primi libri per bambini illustrati in modo moderno e ha sperimentato con tecniche di progettazione innovative come la fotografia sequenziale.
   9. Pino Tovaglia: un noto designer italiano, importante per il suo lavoro in campo editoriale e pubblicitario. Ha lavorato per clienti come la Mondadori, la Feltrinelli e la Olivetti, creando progetti che combinavano tipografia, fotografia e illustrazione in modo innovativo.

Questi designer, insieme ad altri, hanno contribuito a definire il graphic design degli anni ’50, portando avanti l’idea di modernità, semplicità e funzionalità. Il loro lavoro ha avuto un impatto duraturo sulla cultura visiva dell’epoca e ha influenzato molti designer successivi.

In sintesi, il graphic design degli anni ’50 era caratterizzato da un approccio minimalista e funzionale, basato sull’uso di forme geometriche, tipografia sans-serif, colori vivaci e immagini fotografiche forti. Tutto ciò era finalizzato alla creazione di un’immagine moderna e ottimistica del mondo, riflettendo la fiducia e la speranza del dopoguerra.

Ti piacerebbe realizzare un visual che richiama lo stile degli anni ’50 per una tua compagna di comunicazione, brochure, o allestimenti? Scrivici su info@bradfarm.it o clicca qui

L'articolo La modernità del design negli anni ’50: tendenze e innovazioni proviene da BradFarm.

L’impatto dei colori sulla psiche umana

I colori hanno un forte impatto emotivo sulla psiche umana, influenzando il nostro stato d’animo, le nostre emozioni, le nostre percezioni e le abitudini di acquisto. Ad esempio, il rosso può essere associato alla passione e all’energia, mentre il blu può rappresentare la calma e la serenità. Allo stesso modo, il verde può evocare la natura e la crescita, mentre il giallo può rappresentare la felicità e l’ottimismo.

I colori possono anche influenzare le nostre percezioni di spazio e di dimensioni. Ad esempio, i colori scuri tendono ad avere un effetto rimpicciolente, mentre i colori chiari tendono ad avere un effetto di allargamento.

L’importanza dei colori nella comunicazione

La scelta dei colori giusti è fondamentale per la comunicazione efficace. I colori possono aiutare a trasmettere un messaggio, a creare un’immagine di marca e a catturare l’attenzione del pubblico. Ad esempio, il colore rosso può essere utilizzato per attirare l’attenzione su una promozione o su un’offerta speciale, mentre il blu può essere utilizzato per creare un’immagine di marca professionale e affidabile.

Inoltre, la scelta dei colori può influenzare anche la percezione della qualità del prodotto o del servizio offerto. Ad esempio, un sito web con colori accesi e vivaci potrebbe essere percepito come meno professionale rispetto a un sito web con colori più sobri e raffinati.

Come utilizzare la psicologia dei colori nella comunicazione

Per utilizzare la psicologia dei colori nella comunicazione, sono da considerare i seguenti fattori:

1. Il pubblico di riferimento: la scelta dei colori dovrebbe essere guidata dal pubblico di riferimento. Ad esempio, se il pubblico è composto principalmente da donne, potrebbe essere utilizzato il colore rosa per attirare l’attenzione e creare un’immagine di marca femminile.
2. Il messaggio: il colore dovrebbe essere scelto in base al messaggio che si vuole trasmettere. Ad esempio, il colore verde potrebbe essere utilizzato per un’azienda che si occupa di prodotti ecologici o biologici.
3. La coerenza: i colori utilizzati dovrebbero essere coerenti con l’immagine di marca dell’azienda e con il messaggio che si vuole trasmettere. Ad esempio, se un’azienda vuole creare un’immagine di marca professionale e affidabile, potrebbe utilizzare il colore blu.

Se hai bisogno di aiuto per definire una palette cromatica per il tuo brand o campagna pubblicitaria, scrivici su info@bradfarm.it oppure clicca qui

L'articolo Psicologia dei colori nella comunicazione proviene da BradFarm.

Coco Chanel disse che «la moda non è un qualcosa che esiste solo sotto forma di abiti. La moda è nel cielo, nelle strade; la moda ha a che fare con le idee, il modo in cui viviamo, ciò che accade». 

E una buona strategia di marketing deve avere i piedi ben piantati sulla terra. E quindi deve avere a che fare proprio col cielo, con le strade, con le idee, col modo in cui viviamo, con ciò che accade intorno a noi… in caso contrario, rischierebbe di non raggiungere i risultati sperati. Una buona strategia di marketing, insomma, deve avere il coraggio di cambiare assieme alle esigenze di un mondo che cambia continuamente… senza mai rinunciare ad un’identità personale ben precisa, ovviamente!

Pensateci: c’è stato un tempo – gli anni 90′, in particolare – in cui i pantaloni a zampa di elefante (o a campana, che dir si voglia) erano apprezzati da tutte e tutti, indistintamente, da ragazze e ragazzi anche di culture diverse: piacevano ai precisini ma pure ai punkabbestia, ai modaioli e perfino ai secchioni. Poi, per diversi anni (prima di tornare sulla cresta dell’onda in tempi recentissimi), sono caduti completamente nel dimenticatoio. Ad incontrare qualcuno che li indossava per strada, suscitavano la stessa curiosità di un dinosauro. Spesso rimanevano nei negozi della Roy Roger’s, forse addirittura negli scatoloni, e la maggior parte optava per il taglio slim.

È un esempio che ci suggerisce che il mondo cambia, che i gusti delle persone cambiano, e secondo criteri che a volte sono addirittura indecifrabili …un brand che si rispetti ha l’esigenza di farsi trovare pronto!

In fondo questo è il restyling. È andare dal barbiere e chiedere giusto una spuntatina (consapevoli della nota mania dei barbieri: rasare tutto!). Ogni tanto, per stare un pochino più ordinati, è necessario. Nel nostro caso, però, l’obiettivo non è (o almeno non solo) una risistemata, ma è fortificare l’espansione di un brand in un contesto in continua evoluzione, senza disperderne l’identità. Anzi, irrobustendola. 

Quando si parla di business bisogna mettere da parte i sentimentalismi.

Spesso è difficile cambiare pur puro legame affettivo verso un marchio esistente ormai da anni… quindi la domanda sorge ancora più spontanea… se sono affezionato perchè dovrei cambiarlo?

Il tuo marchio non è un oggetto di affezione, lasciamolo alla collanina della nonna o l’auto del nonno, affezionarti ad un “prodotto” che ha la funziona di rappresentare la tua azienda, i tuoi valori, il tuo primo impatto col mondo esterno, non può essere determinato da un motivo puramente emotivo.

Il marchio ha uno scopo commerciale. Ed è per questo che devi tagliare il cordone ombelicale.

Vediamo insieme qualche altra casistica “tecnica” in cui è veramente necessario voltar pagina:

• è in atto un’evoluzione aziendale verso nuovi orizzonti.
• è in corso un riposizionamento aziendale e quindi la volontà di far cambiare percezione di sè.
• il marchio non si presta agli utilizzi che la tecnologia e i supporti di comunicazione odierni richiedono
• e oggettivamente non funzionale
• non rispetta i requisiti minimi tecnici di riproducibilità e adattabilità
• nasce da una risorsa stock (non c’è cosa peggiore!)
• è copiato da qualche altro marchio (forse questa :P)
• è in corso un cambio generazionale
• ci si rende conto di non essere al passo con i trend imposti dal mercato
• il marchio non permette una scalabilità sul visual dei prodotti aziendali
• cambiare reputazione
• in caso di fusioni aziendali
• contrastare un momento di crisi

p.s. il nostro marchio è frutto di evoluzione e cambiamenti avvenuti in circa 8 anni. E nessuno ci assicura che rimarrà così per sempre.

Volete qualche esempio pratico?

Vabbè, abbiamo capito: basta chiacchiere. Volete capire in fretta di cosa stiamo parlando. E noi ve lo facciamo vedere con una pratica dimostrazione. Tra i progetti che curiamo, quello del Museo di Pulcinella è forse tra quelli che raccontano meglio come rinnovare un’identità visiva ben consolidata, senza stravolgerla, attraverso un rebranding efficace.

Abbiamo puntato, in questo caso, su un restyling conservativo, che ha tenuto traccia dei lineamenti e dell’identità del precedente logo, rifacendosi direttamente ad esso senza stravolgerlo, attuando un procedimento di modernizzazione e armonizzazione per valorizzarne i punti di forza ed eliminare tutti i problemi di riproducibilità e disarmonia.

Siamo partiti dall’analisi di operazioni simili.

Abbiamo tenuto in considerazione il vecchio marchio…

E abbiamo realizzato il nostro restyling: ora il Museo di Pulcinella ha un’identità visiva riconoscibile ed univoca. Il marchio presenta un’unica idea grafica ed il nome che accompagna il pittogramma è chiaro e immediato. È sia semplice da leggere e memorizzare che facile da pubblicizzare su tutti i tipi di media e supporti. Ora è storico, classico, tradizionale, evocativo, figurativo… ma coerente!

Andiamo avanti con altri esempi, come digiketo che negli anni ha subito un processo di evoluzione che lo ha seguito pian piano nei processi evolutivi aziendali, fino ad arrivare all’attuale versione, con un simbolo che rappresenta la perfetta sintesi di valori acquisiti e si adatta alle esigenze di mercato a 360°.

Questo è il processo di evoluzione in sintesi, vi basterà cliccare sull’immagine per sfogliare l’intero progetto.

Segue l’evoluzione dei packaging… prima:

Dopo:

E tu… cosa aspetti per una spuntatina? Se desideri richiedere un preventivo per il tuo restyling, scrivici su info@bradfarm.it o clicca qui

L'articolo Quando e perché fare il restyling di un marchio? proviene da BradFarm.

Sono le parole di una nostra cliente, Valentina Manna, e descrivono appieno il significato di brand identity senza tecnicismi e con un carico di emotività. Non, volgarmente, «il logo», né – sarebbe limitante – il nome del progetto o la mission dell’azienda.

L’identity è qualcosa di diverso, qualcosa di più profondo e completo.

Proviamo a soffermarci sulle parole.

Per capirci di più, possiamo pensare alla carta d’identità. Ce l’avete sicuramente stropicciata nel portafogli, se non siete già passati a quella digitale. Ebbene, la carta d’identità contiene il complesso dei dati personali caratteristici e fondamentali che consentono l’individuazione o garantiscono l’autenticità di una persona.

Autenticità, appunto: pur assolvendo la stessa funzione, nessuna carta d’identità è uguale ad un’altra.

Se ci sforzassimo di interpretarla in questo senso, insomma, potremmo dire che la brand identity è la carta d’identità che detta le fondamenti e determina le regole dell’identità visiva di un brand (od anche personal brand, progetto, prodotto, evento, e via dicendo.)

Chiaramente, la funzione della carta è identificarvi dal punto di vista anagrafico, burocratico. Se la dimenticate prima di un viaggio, rimanete al gate, fermi al palo, e non vi fanno partire.

La funzione di una brand identity efficace

La brand identity ha una funzione diversa, comunicativa. Non contiene il complesso dei dati personali, ma piuttosto un complesso di valori espressi attraverso ogni minimo utilizzo, che sono utili a dirigere e coordinare gli elementi visivi (il logo, i colori, le forme, i font, il tone of voice, le immagini rappresentative…) di un’azienda o di un progetto. E dunque: nasce da un significato, mette radici attraverso il marchio e si sviluppa con un coordinato aziendale.

No brand, no party.

Quello che però possiamo garantirvi è che data la grande competizione e l’alto livello comunicativo di start up e brand affermati, di questi tempi pure senza brand identity non valga la pena partire… anche se non vi fermano in aeroporto! (:

Ma torniamo alle parole. Ad una, in particolare: autenticità. L’abbiamo ritrovata anche nella definizione di carta d’identità.

>>>MOMENTO SUPERQUARK<<<

 La parola «autentico» deriva dal latino  “authenticus” e, a sua volta, dal greco “αὐϑεντικός”. L’etimologia – così sostiene Zingarelli – rimanda alla considerazione che autentico è ciò che fa riferimento alla nostra propria interiorità.

Lo dicono le parole stesse, dunque: il brand deve riuscire a comunicare – con la sua identità visiva – l’ “interiorità” del progetto. E dunque innanzitutto IL CUORE della realtà che s’intende rappresentare. Autenticità vuol dire unicità, capacità del brand di instaurare una relazione con le persone in carne ed ossa.

E ciò ch’è autentico, ciò ch’è unico, è maledettamente affascinante e memorabile.

Se questa relazione non si instaura, se il brand non riesce a contrassegnare, a rendere distinguibile l’azienda o il progetto, allora la brand identity avrà fallito.

Se invece il brand riesce a colpire i target di riferimento, a rimanere impresso nella mente dell’osservatore almeno quanto quella ragazza che ascoltava musica in metropolitana – che per un momento – anche solo uno – hai creduto fosse la donna della tua vita – allora il gioco è fatto.

E non conta il modo in cui ti colpisca, l’importante è che lo faccia! E serve a raccontare o a dire tu di cosa ti occupi, a quello ci penserà la tua comunicazione.

Vi sveliamo un segreto:

Il trucco? Non è detto che ci sia. La creatività vuole la sua parte. Lasciandosi guidare dalle parole di Jim Morrison a un bambino cieco:

«Mi chiese di descrivergli il mare, io osservandolo glielo descrissi, poi mi chiese di descrivergli il mondo… io piangendo glielo inventai…»

Se desideri realizzare una brand identity efficace , scrivici su info@bradfarm.it o clicca qui

L'articolo Che cos’è la Brand Identity? proviene da BradFarm.

Ma cos’è il packaging?

Partiamo dalle basi… letteralmente significa imballaggio ed è definito nel marketing come “Il prodotto adibito a contenere e proteggere determinate merci, dalle materie prime ai prodotti finiti, a consentire la loro manipolazione e la loro consegna dal produttore al consumatore o all’utilizzatore, e ad assicurare la loro presentazione”.

Insomma è la prima cosa che vedrete di un dato prodotto, che sia in un negozio di città o girovagando su un sito e-commerce.

Il biglietto da visita di QUALSIASI prodotto (e spesso anche servizio) esistente.

Quanto conta il pac…kaging per la reputazione del brand?

È necessario che ogni brand abbia un packaging personale e riconoscibile dedicato ad ogni prodotto o linea prodotti, così da differenziare il prodotto dalla concorrenza, fornire tutte le informazioni primarie necessarie, incuriosire l’osservatore, dare valore ed autorità al marchio e cosa più importante attrarre i consumatori e convertirli in potenziali clienti.

Per spiegarci meglio, ti basterà pensare quanto sia riconoscibile il packaging della Barilla. Immediatamente nella tua mente si svilupperà l’immagine dello scatolo di pasta più famoso in Italia, che nonostante i recenti restyling e la continua evoluzione resta impresso nell’immaginario di noi consumatori. 

E sai perchè ad oggi te lo ricordi? Perché durante la creazione della confezione, sono stati presi in considerazione innumerevoli fattori psicologici, tendenze di comunicazione e canoni estetici che attirano l’attenzione del cliente, come il colore, la forma, il testo, il materiale, la dimensione, il coinvolgimento emotivo… ma a breve andremo più nello specifico. 

È chiaro quindi come il sole che il packaging, attraverso i singoli prodotti, ha il compito di rappresentare il vostro brand, influenzando altamente ed in maniera volontaria la scelta del cliente.

Cosa considerare nella creazione del design?

Come accennato in precedenza, per la creazione dei pac…kaging sono da prendere in considerazione diverse variabili, vediamo le principali:

• Forma: Tanto quanto la dimensione, anche la forma del pacco conta… (immaginate un coso storto e brutto ?) ed è ciò che attrarrà sin da subito il cliente.  Forme classiche ed arcaiche non riusciranno ad invogliare all’acquisto quanto una forma nuova, originale, che darà sin da subito un carattere diverso al vostro marchio e che abbia in considerazione le dinamiche di produzione, trasporto, imballaggio ed esposizione.
• Colori: Il colore più di ogni altra cosa è capace di dare un’impronta autentica e riconoscibile alla confezione. Essendo correlato ad una questione psicologica (vedi articolo sulla psicologia dei colori) la scelta dei colori ti darà il “potere” di attrarre già in partenza una grande fetta di target e di comunicare un messaggio specifico. Proprio per questo è indispensabile scegliere accuratamente le tinte e le tonalità da associare al proprio prodotto. Un esempio sempre lampante è la Coca-Cola, una lattina di rosso intenso che trasmette energia, stimola il movimento, incentiva gli acquisti impulsivi e udite udite: aumenta il senso di fame. Incredibile vero?! 
• Lettering: La tipologia di caratteri tipografico (scritta) associata all’involucro è un altro tassello fondamentale per la vendita del prodotto. Bisogna fare molta attenzione sulla scelta dei testi e dei font, nella gerarchia che hanno nel complesso, sulla leggibilità e sul peso visivo nella composizione, poiché devono raccontano in modo inequivocabile ciò che volete esprimere, in modo conciso e diretto. Se ad esempio, la vostra azienda si occupa di costruzioni, un font calligrafico, affusolato ed elegante, non sarà adatto al messaggio e comprometterà il risultato finale, influenzando le vendite.

Bisogna tener presente che oltre alla riconoscibilità, la sua principale funzionalità deve essere proteggere il prodotto, di conseguenza qualsiasi scelta estetica deve essere correlata a scelte coerenti con l’articolo che si vende e trasporta, e in ultimo ma non per ultimo, oltre la creatività vanno considerate le dinamiche di budget per la produzione in relazione al costo dell’articolo e al prezzo di vendita dell’articolo.  

Semplicemente… un bel pac…kaging (anzi: un bel pacco!) conta, ma dev’essere anche funzionale ed attraente… ed ovviamente deve essere riprodotto al costo giusto!

Hai la necessità di sviluppare un packaging per i tuoi prodotti o dare una rinfrescata a quelli già esistenti? Scrivici su info@bradfarm.it o clicca qui

L'articolo L’importanza di avere un bel pac…kaging proviene da BradFarm.